IDEAS A TENER CLARAS SOBRE EL RENACIMIENTO
El término procede de la obra de Giorgio Vasari Vidas de pintores,
escultores y arquitectos famosos, publicada en 1570, pero hasta el siglo
XIX este concepto no recibe una amplia interpretación histórico-artística.
à
Los hombes del Renacimiento quieren omper, conscientemente, con la tradición
artística de la Edad Media, a la que califican, con pleno desprecio, como un
estilo de bárbaros o de godos. Y con la misma consciencia se opone al arte
contemporáneo del Norte de Europa.
àEl
Renacimiento supone una nueva forma de entender el arte. Las artes liberales ya
no están controladas por los gremios, sino bajo la protección de los príncipes
y la burguesía. Nacen, así, los mecenas, como las familias Medici, Rucelli, Tornabuoni
o Pazzi. Aparece la figura del artista genial, por lo que se abandona
definitivamente el anonimato. Sin embargo, surge el taller del maestro, que
controla el acceso a la profesión de los oficiales y aprendices, y que es quien
recibe los encargos de los clientes. Además de la burguesía, la Iglesia y la monarquía
serán protectores de los artistas, ya que se descubre el valor propagandístico
del arte.
à Todo
esto exige una formación científica de los artistas y una gran capacidad de
creación:
²
Se inventa la perspectiva caballera, con sus
puntos de fuga matemáticos, y la perspectiva aérea, con el sfumato.
²
Se pone mucha atención en las proporciones,
para las que se utilizará el canon clásico, que progresivamente se irá
alargando, y se guardará la proporción entre las partes.
²
Se redescubre la arquitectura de Vitrubio, el
muro de carga y como cierre del espacio, la columna guarda una proporción entre
la altura y la anchura, y el arco con la luz, se tiende a la horizontalidad y a
la escala humana, para crear un espacio unitario.
²
Reaparece el retrato, el desnudo, principalmente
mitológico, y
el paisaje, todo ello idealizado.
à Estéticamente:
²
No es una copia de la
antigüedad, sino su interpretación.
o
Se busca el
realismo, pero se idealiza la naturaleza, se trata de un arte burgués.
o
En el
Renacimiento el hombre recupera su protagonismo como primer objeto artístico,
según la tradición grecorromana. El hombre es la obra más perfecta de Dios. Se
recupera el retrato y la naturalidad sin hieratismo, de la mano de la nueva
burguesía. Se pinta la figura humana
independientemente de lo que represente, Virgen o cortesana, Apolo o Cristo, lo
que importa es la figura humana. El tema interesa poco, pero sí lo bello frente
a lo representativo.
o
El objeto
del arte es el mundo natural, la imagen del mundo que se identifica con la
civilización. Hay un nuevo humanismo y una mentalidad burguesa que busca al
hombre ideal en equilibrio con la naturaleza.
è
Etapas:
² La primera
tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado Quattrocento, y comprende el Renacimiento
temprano que se desarrolla en Italia.
² La segunda,
afecta al siglo XVI, se denomina Cinquecento,
y su dominio artístico queda referido al Alto Renacimiento, que se centra en el
primer cuarto del siglo. Esta etapa desemboca hacia 1520-1530 en una reacción
anticlásica que conforma el Manierismo.
² Mientras que en
Italia se estaba desarrollando el
Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el gótico
en sus formas tardías, situación que se va a mantener, exceptuando casos
concretos, hasta comienzos del siglo XVI.
² En Italia el
enfrentamiento y convivencia con la antigüedad clásica, considerada como un
legado nacional, proporcionó una amplia base para una evolución estilística
homogénea y de validez general. Por ello, allí, es posible su surgimiento y
precede a todas las demás naciones.
² Fuera de Italia
la Antigüedad Clásica supondrá un caudal académico asimilable, y el desarrollo
del Renacimiento dependerá constantemente de los impulsos marcados por Italia.
Artistas importados desde Italia o formados allí, hacen el papel de verdaderos
transmisores.
ARQUITECTURA
- Tipos de edificios: religiosos (iglesias) y civiles (urbanos y laicos).
- Entre los principales elementos
constructivos tenemos:
- Sustentantes: Arco de medio punto y columnas.
- Sustentados: Cúpula, bóveda de cañón y cubiertas planas con casetones.
- Elementos decorativos: Pilastras, frontones, pórticos, decoración heráldica, almohadillado, voluta, grutescos, guirnaldas y medallones.
Desde un principio la arquitectura
renacentista tuvo un carácter profano, y, lógicamente, surgió en una ciudad en
donde el Gótico apenas había penetrado, Florencia; en la Europa de las grandes
catedrales, se implantó con dificultades.
Se caracterizó por el empleo de
proporciones modulares, superposición de órdenes, empleo de cúpulas e
introducción del orden colosal.
-
En el Quattrocento fue frecuente recurrir a columnas y
pilastras adosadas, a los capiteles clásicos (con preferencia el corintio, aunque
sustituyendo los caulículos por figuras fantásticas o de animales), los fustes
lisos y el arco de medio punto, a la bóveda de cañón y de arista, así como a
cubiertas de madera con casetones.
-
Lo que fundamentalmente distingue a la arquitectura
del Quattrocento de la del Alto Renacimiento (o Cinquecento) es la decoración
menuda (putti, guirnaldas de flores o frutos, grutescos, etc.), el alargamiento
de la cúpula (catedral de Florencia, de Filippo Brunelleschi) y las fachadas de
piedra tosca (Palacio Medici−Ricardi, de Michelozzo di Bartolommeo) o con los
sillares en realce (Palacio Rucellai, de Bernardo Rosellino, proyecto de
Alberti).
-
La arquitectura del Cinquecento tuvo como centro Roma:
En 1506 Bramante terminaba su célebre proyecto para la
basílica de San Pedro en el Vaticano. Los palacios se adornaron de valiosos
bajorrelieves (Palacio Grimani de Venecia, 1549, obra de Michele Sanmicheli) o
de esculturas exentas (biblioteca de San Marcos, 1537−50, Venecia, obra de
Jacopo Sansovino).
Quattrocento
Nombre dado a la época
renacentista del siglo XV en Italia. El arte que se crea en esta época es de
mayor calidad con respecto al llamado Trecento. En este arte se evolucionan
técnicas de pintura, consiguiendo la perspectiva; en escultura se vuelve a la
imitación de la clásica griega y romana, y con respecto a la arquitectura hay
un retorno a las líneas del arte griego y romano. En general este arte es de
líneas más puras que su predecesor europeo, el Gótico, siendo de menor tamaño y
simplicidad, hasta la llegada del Cinquecento y el Manierismo.
Los máximos exponentes de esta
época son:
- Escultura: Donatello y Ghiberti.
- Pintura: Masaccio, Fra Angelico, Sandro Botticelli, Piero della Francesca.
- Arquitectura: Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti.
Cinquecento
Aunque cronológicamente el
término Cinquecento hace referencia a todo el siglo XVI en Italia, en lo
artístico solo abarca el primer cuarto de ese siglo. Se denomina también Alto Renacimiento
o Renacimiento clásico. Es la época de madurez del estilo y de sus tres
artistas más geniales: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.
Está seguido por el Manierismo,
que fue un estilo que se caracterizó por el uso de figuras exageradas, a menudo
con posturas forzadas, un irreal tratamiento del espacio y con frecuencia de
efectos dramáticos; y una aparente elección arbitraria del color. Supone el
rechazo del equilibrio y de la claridad del Renacimiento en busca de
composiciones más dramáticas y complejas y el deseo de efectos más emotivos.
MANIERISMO Más
desarrollado (suele conocerse menos)
Estilo artístico que sigue al Cinquecento
y que ocupa las décadas centrales y finales del siglo XVI. Fechas
significativas como las muertes de Leonardo (1519) y Rafael (1520), dos de las
grandes figuras del Cinquecento, se toman como inicio de este nuevo estilo,
aunque también se le relaciona con el Saco de Roma en 1527 o incluso la ruptura
religiosa que su supuso la aparición del protestantismo.
- Arquitectos destacados fueron: Vignola (Iglesia del Gesù, en Roma, la Villa Farnese y Villa Lante) y Palladio (Basílica de Vicenza, Villa Barbaroy
Villa Capra)
Características
Mientras que para algunos
historiadores del arte y críticos el manierismo es la última etapa del renacimiento,
para otros se trata del inicio del barroco. Hay incluso autores que lo dotan de
una personalidad propia. Y es que sin duda el manierismo toma modelos y
soluciones del renacimiento, pero alterándolos en una especie de búsqueda de
una manera (maniera) personal, a imitación de los grandes genios (Miguel
Ángel, Leonardo y Rafael). También es cierto que muchas de las características
del manierismo estarán presentes en el barroco.
Se ha dicho que el Manierismo
nació en Toscana, aunque en Venecia pudo llegar a su máxima expresión, y si
duda su difusión tuvo origen romano.
El manierismo se extendió por
toda Europa y fueron los discípulos de Rafael los que lo llevaron al
continente. Era un arte dirigido a círculos de gran cultura; por ello no perduró
y fue atacado.
Fase final del renacimiento o
prolegómeno del barroco, sin duda el manierismo cuenta con características
propias que le dotan de personalidad. La primera y más importante de sus
características es la ruptura del equilibrio clásico, lo que se traduce en un
mayor dinamismo de sus composiciones, y a veces una dislocación de las mismas,
con lo que son frecuentes los escorzos y las desproporciones.
La pintura
Los pintores manieristas tienen
obsesión por la profundidad, para que el espectador pueda profundizar a través
de todos los espacios de la pintura. La línea que predomina será la diagonal,
pero a la vez esta línea cobrará un movimiento curvilíneo que envuelve a las
figuras. Podemos decir que hay dos corrientes: el manierismo académico y el
manierismo revolucionario; los métodos cambiaron también. Los académicos
seguían inspirando en la naturaleza, pero no directamente sino a través de los
grandes maestros, lo que condujo al virtuosismo. Es verdad que se consiguió una
generación de artífices casi perfectos, pero sin creación original. En cambio,
en el manierismo revolucionario, los artistas fueron en parte excéntricos y
atormentados. Las matemáticas, la perspectiva lineal o la relación figura y
espacio fueron abandonadas. Esta corriente convino al naturalismo y a la
imaginación; el espacio fue ocupado por multitud de figuras dentro de
diferentes planos pictóricos. El personaje principal de la pintura será difícil
de distinguir,
pues casi todos tendrán la misma categoría, y a la vez el ojo pierde la
situación por la multiplicidad de líneas en desequilibrio. El claroscuro no modela ya la figura, pues la luz creará ilusiones
ópticas, colores intensos e iluminación teatral. Este manierismo pictórico ya
lo había iniciado Miguel Ángel en el Juicio Final.
La escultura: Dentro de es ruptura del equilibrio clásico que suponer el manierismo, en escultura es frecuente la figura serpentinata.
Escultores manierista: Cellini y Juan de Bolonia
En España, el también denominado experimentalismo
manierista dio lugar a
obras artísticas de enorme creatividad basadas en los órdenes clásicos
derivados del Renacimiento italiano, aunque ahora tratadas con cierta libertad
creadora y compositiva y sin las ataduras de la sobriedad del purismo
renacentista. Una experiencia que fue seguida con entusiasmo por los mejores
artistas del momento.
Pintores manieristas: Bronzino, Correggio, El Greco, Parmigianino, Tintoretto
y el Veronés
